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1、文化带入感强
文化带入感也可以理解为历史代入感，将某时代或某民族的特色元素融入设计中，使人文风情在服饰上得到体现。
（3） “危险感”再现
“危险感”是服装叙事性表现的一种方式，而服饰的叙事性一般体现在以历史为灵感来源的设计中。同时“危险感”再现也常应用于许多戏剧表演及文学作品中，近几年也被一些流行音乐类艺人应用于现场表演，因为它能更加深刻的表现音乐背后的故事，也能增加舞台表演时观感体验上的丰富感和整体性。
在流行音乐类艺人中 Madonna，Beyoncé，Lady gaga 常以“危险感”再现作为现场表演时的历史感铺垫。
如 Madonna 在 2000 年“Drowned word tour”中对歌曲《nothing really matter》进行演绎时，将风格极其鬼魅的舞踏舞蹈融入其中，自己也以一袭血红和服配合着苍白的面孔现身，在表演中还融入了日本武士切腹自尽的片段，较为全面的展现了她以小说《艺妓回忆录》为创作此歌曲的灵感初衷；而 Madonna在 2008 年 “sticky & sweet tour” 庆生演唱会中演绎歌曲《she’s not me》时，她站在圆形舞台的中央，四周环绕着身着她自出道以来各个时期经典造型的舞者，她边唱边对舞者们做出挑衅的动作，或是撕扯着舞者的衣服，像是表达着现实的她与舞台上的她之间有着相互探索纠结的矛盾关系，但也像是表达着她一直希望与过去的自己和曾今的名望风光撇清关系的自我反省，也或是她只是在对恶意模仿和抄袭着她的人的嘲讽。
但毕竟 Madonna 是一名经历了几十年艺途历练的资深艺人，在千禧年初似乎只能在她的演唱会上看到如此有冲击力的和充满故事性和历史感的表演，她像是一个来自上个世纪的老牌巨星，一直坚持着自己的艺术理想为在新世纪被各种过度商业化包装的“明星产品”刷屏的我们带来真正的艺术体验。
Beyoncé 在 2016 年的 VMA 颁奖典礼上为大家献上了一场极具人文关怀的浓缩历史秀。在 2016 年的 VMA 颁奖典礼中，Beyoncé 演绎了几首她以上个世纪黑人女性在社会中的生活状态为灵感的歌曲，集中体现了她对黑人女性的致敬以及她对女性在受到压迫无处安放不安时的关怀，在表演最开始演绎《pray you catch me 祈祷你能抓住我》时，Beyoncé 和几名身着白色蕾丝复古洛可可风格礼服的女性舞者站在烟雾缭绕的舞池中，舞者随着一声声枪响倒入血红烟雾中，整首歌曲表达着女性在希望得到关心理解却无人回应时的无助心情，在表演最后演绎《Formation 列队》时，众多女性舞者身着黑色礼服及宽沿礼帽与她站在血红追光下，伴着强劲鼓点和寓意强势的歌词表演着充满黑人风格的舞蹈，在最后鼓点结束时，她们排列成意指女性的符号“♀”，寓意团结和相互依靠，在致敬女性的同时希望女性们可以认识到重视自我的重要性。
而“危险感”再现仅仅以服饰作为载体是远远不够的，还要通过表演时舞美，灯光，舞蹈编排等的整体烘托才能使它实在的展现出来。且“危险感”再现其实也是艺人对私密生活体验的舞台艺术化再现，更具叙事性和故事性，有时也会带有隐约的政治意味（仅欧美地区）。但它区别于书籍，电影和舞台剧的是，流行音乐类艺人舞台上的“危险感”是速食性的。
（4） 增添服饰的仪式感
有史以来，无论是最早期的祭祀活动，还是当代国际性的主题表演，具有装饰性与表现力的服装，始终是表达活动内容的一种物化的、可视的媒介语言。
而作为以推广某一艺人为浅目的，主要活动内容是给大众带来更多元化艺术体验的舞台性表演来说，艺人们表演时不同的衣着也将带给观众不同的视觉感受。
例如：在 2017 年的 GRAMMYS 颁奖典礼上，以有身孕的 Beyoncé 再次演绎了两首致敬母亲的歌曲《love drought干涸的爱》和《sandcastles沙堡》,表演以一段全息投影与现场人物相结合的视讯开始，Beyoncé 在全息视讯中以寓意非洲孕育之神的黄衣造型现身，而现场造型则是一袭神秘又尊贵的裸色镶钻长裙，整场表演如在一场众神欢庆的宴会中进行，舞台上布满花瓣，中央放置这一张长桌，全场皆为女性舞者，她们整齐的排坐在长桌两侧表演着仪式性的肢体动作，表演的最后舞者们以一种朝拜和庆祝的姿势围绕着 Beyoncé；而在 2001 年“dream with dream world tour”中原身着比基尼搭配皮质低腰喇叭裤的 Britney 突然以一袭白色薄纱小礼裙出现，瞬间将观众情节带入，实现摇滚梦境与精灵梦境之间意向转换 ；还有 1993 年“the girlie show world tour”中，整晚都以华丽且极具戏剧的感造型表演的 Madonna，在演唱会即将结束时换上简洁白 t-恤配牛仔裤出现，给观众一种亲切感和互动感，迅速拉近台上表演者与观众的距离，使演唱会中粉丝“朝圣”偶像与艺人服务观众的相互关系被隐隐融合。
所以增添服装的仪式感对加强艺人形象的塑造起到非常重要的作用，而且即使是以舞台为固定活动场所，表演为主要活动内容，对服饰的灵活应用不仅能调剂舞台氛围也能巧妙转换主要活动内容中的各个活动单元。这是一种“物质化语言”，即运用服饰表达活动内容。
2、 注重服饰运作时的效果
（2） 舞台形式对表演服饰的影响
凡是舞台表演时所使用的衣着服饰统称为“舞台服饰”，“舞台”即为表演者提供的活动空间，在舞台这一特定空间表演时充满了现场性和随机性。而美国流行音乐在舞台表演时的舞台框架与表演形式有关，一般都会将舞台架高。早期演唱会舞台比较简洁和“透明”，“透明”意为伴奏乐队都同时出现在舞台上，这就会影响到歌手的活动范围，所以 20 世纪早期歌手们表演的常规模式是舞台上只有歌手以及乐队，歌手们的表演服饰较常规，观众们的注意力大部分集在歌曲；2000 年后，随着科技发展，舞台框架不再局限于架高的平台，表演形式也更多元化。许多艺人为了让观众可以更深刻的体验歌曲寓意，会将舞台的空间设计趋近于话剧般充满故事性与冲突性，艺人在表演时也开始加入特技吊威亚等动作幅度较大的动作设计，由于 舞台服饰是舞台画面中活动着的色块,它于布景灯光相互配合，所以 2000 年后，舞台表演服饰渐渐成为了一种表演者表达作品内容的语言部分，而且随着演唱会舞台设计和特技安全设施的进步，表演服饰设计也在应用功能方面有了一定的突破。
3、表演服饰在设计上的主要特点
（1）设计师与艺人相互“牵制”
“艺人”和“设计师”是两个自我意识都较强的职业，所以当他们合作时就会出现微妙有趣的化学反应。
就像手缝平针时，中间是会有一格空针一样，一直朝一个方向发展时是会有局限和空洞的。尤其在表演服饰的设计中，如果只是设计师单方面设计是不能完全贴合艺人需求的，即使造型风格相符合，服饰在最后上台的演绎时也会出现不完整感，因为表演服饰在实际应用时每套服装亮相的时间较长且频率比较低，很多时候要考虑服饰换装时间和观众的视觉感受（远处的观众看到的色块大效果和近处观众可看到的细节），服装的系列感要与表演现场的舞美和音乐结合，而艺人对服饰实践更有经验，体验过的服饰繁多，只有在设计师结合艺人审美以及需求时服饰才会得到最佳演绎，所以在设计舞台表演服饰时沟通是非常重要的。
（2）更注重功能价值
表演服饰为服饰设计中的一个小类别，适用于特定人群和特殊场合，同时也有一些特定功能要素。尤其流行音乐类艺人，他们的表演服饰在美观性与功能性上有特殊要求，需要设计师在美观和功能中间做平衡或取舍。比如现在流行的表演服饰款式“旱地泳衣”（原型是芭蕾舞练功服），它局限了服装的款式，同时也就局限了服装的面料，无弹性的面料比较难实现此种款的舒适性的，但是“旱地泳衣”这种款式却很好的实现了唱跳型流行音乐类艺人做大幅度舞蹈动作时所需的功能性要求，而且此款式也能很好的拉长女性艺人的腿部线条。
（3）设计实验性强
表演服饰的几大风格由第二和第三章节可见，美国舞台表演服饰丰富的服装风格与多样的音乐风格有着直接关系，许多科学技术上的进步也对表演服的有着间接影响。
而且就流行音乐类艺人来说，她们对惊艳的新鲜的服饰需求量很大，对服饰设计的风格和怪诞审美的接受度更高，所以很多新锐设计师的作品可以在她们身上得到实现。
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