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“第九艺术”
“第九艺术”
如今在相当多的场景下，尤其是在互联网，人们已经习惯于将电子游戏称作为第九艺术。平日比较关注电子游戏的人看到“第九艺术”的字样，应该不会产生其他歧义而直接联系到电子游戏。
实际上无论是游戏的“第九艺术”的名号，还是另外的所谓“八大艺术”，都是只在中文媒体间流行的词汇。在西方英语环境中并没有一个对于第九艺术的准确代表，而在相当多的艺术讨论中，漫画（comics）常常被称为是第九艺术（the ninth art）。
1911年，意大利电影理论家乔托·卡努杜 Ricciotto Canudo发表了第六艺术宣言（The Birth Of The Sixth Art)，他宣称电影是在建筑、雕塑、绘画、音乐和诗歌后的第六种艺术形式；另外五种的艺术形式的划分则是来自于黑格尔的美学演讲（Lectures On Aesthetics）。卡努杜随后将舞蹈列为第六种艺术形式， 电影则为第七艺术。我们在网络上看到的八大艺术的出处很有可能来源于此。
而国内“第九艺术”的说法，我认为最可靠的出处应该是当年运营国服魔兽世界的第九城市。
何为艺术？
何为艺术？
既然八大艺术的说法并不权威，那么到底什么是艺术？
我们打开维基百科的“The Arts”词条，我们会得到以下对于艺术的定义：
The arts refers to the human application and expression of creativity through skills and imagination in order to produce objects, environments and experiences.
在这里，艺术被概括为人类通过使用技巧和想象力而创造出的物体，环境或者行为。在韦伯斯特词典中，艺术的主要组成部分被概括为视觉艺术（包括建筑，电影，绘画和雕塑），文学（包括非虚构的，虚构的，诗歌和散文），表演艺术（包括舞蹈，音乐和剧院艺术）。韦氏词典同时也指出，一些艺术形式则是结合了以上的元素，例如电影是视觉艺术与表演的结合，而漫画是视觉艺术和文学的结合。
如果我们用这样的定义来观察游戏，我们会发现电子游戏不仅仅是艺术，它还是结合了视觉艺术，文学，以及表演艺术的前所未有的艺术形式。然而与其他形式作对比，如此年轻，如此潜力无限的电子游戏，它作为艺术有哪些争议点呢？为什么当人们在谈论游戏，它始终似乎是有些特别的那一个呢？
综合艺术的复杂性
综合艺术的复杂性
媒介越是单纯的艺术形式越容易去理解。你也许无法像达芬奇一样去绘画，但当你看到蒙娜丽莎你可以直接的理解到：这是一幅油画，你能明确的知道它的构成是画布上的颜料，或者进一步能联想到艺术家在创作这幅作品时使用的精湛的技法。
当你在电影院去看一部电影，尽管我们使用“电影”一词去概括这件事，而实际上你并不能像欣赏一幅画一样，得到直截了当的理解。它远远比在画布上创作油画，或是用双手弹奏乐器这样的方式复杂得多。
当你打通一款游戏，你很有可能会看到电影结尾般的制作名单，甚至很多游戏干脆把名单放在菜单中的一项。游戏的制作已经像电影产业一样形成一套体系，甚至还在逐渐复杂化。比起传统艺术的创作，制作一款电子游戏更像是制作一款机甲，编程，美术，游戏玩法的设计各司其职，最终让玩家亲身操作。
像电影和游戏这样的形式存在复杂性，他的根本原因是因为它依托于其他基础艺术形式。依托其他媒介并不代表它比基础形式的艺术更伟大。运用多种形式的优点是能够触动观者更多的感官，也就更容易被人们所理解，产生共鸣。
当艺术遇见了资本
当艺术遇见了资本
当艺术形成了市场，当艺术需要考虑商业，公司，这样的要素，创作也就不再单纯。
在当代艺术界，像杰夫昆恩（Jeff Koons）和村上隆这样的艺术家不占少数，他们会雇佣其他拥有绘画，雕塑技能的人代替自己完成作品，艺术家可能只是提供了作品的草图和制作方案，而在作品上写下的只有艺术家的名字，真正制作出这些作品的人反而不被人所提及，他们变成了工厂流水线的机器。
如果放在当代艺术盛行之前的上世纪，这种现象是极其荒诞的。可当艺术变得产业化，当它需要去产生价值，画画这件事变得“工业化”也就似乎是理所应当了；艺术家变成了商人，而艺术变成了商品。
在波普运动（Pop Art Movement）之前，艺术还被认为不是商品。当波普艺术袭来，安迪沃霍尔打破了艺术与娱乐圈，名人文化之间的桎梏，商业艺术（Commercial art）的概念也逐渐被大家认可。以此同时摄影技术不断发展，人们开始愿意为了电视机，电影院这样的媒介而自掏腰包。
如同一部电影上线，一部游戏发行，根本目的是盈利。这是将创作变现的手段。
游戏厂商的规模越小，需要考虑作品本身之外的事情也就越少，这也就是为什么独立游戏工作室对于电子游戏的发展如此重要。而像育碧，EA这样的大型公司，制作游戏的过程可能更像一个工厂在产出产品，考虑的也不单单再是作品本身，还有每一页财务报表。
作为商品，什么才算是成功呢？波普艺术的名字就给出了一种解答，就是流行（popular）。
高雅与低俗
高雅与低俗
在波普艺术之后有一组词经常被人们提起，“low culture”和“high culture”，与我们常说的阳春白雪和下里巴人很相近。游戏的娱乐性质和商业性质决定了它的上限，也就是说作为一种艺术形式，电子游戏距离崇高有着相当的距离。
但必须是“high culture”的艺术才能称得上是艺术吗？卢浮宫里的蒙娜丽莎和迪士尼的米奇之间要如何比较呢？
这两者当然都是艺术，我们不能说因为蒙娜丽莎更“美”，米奇的形式更为简单而分出孰高孰低。蒙娜丽莎在美术馆中给予人来自数百年前创作的美的震撼，而迪士尼的动漫作品通过各种现代媒介与人们更近距离的互动，它的作品更直接得影响着对每一个坐在荧屏前，和穿着优衣库迪士尼联名T恤的人。
不同艺术之间有雅俗之分，而游戏自身也会分成所谓的Low和High。以文学举例，尽管不存在明确的界限，我们通常会将文学分为纯文学，严肃文学和通俗文学，电子游戏也不应该全部被笼统的分为游戏。我们不会因为阿加莎·克里斯蒂的书没有所谓深刻的人性拷问而说她的书不是文学，我们一样会为她所创造的每一次反转拍手叫绝。
马丁·斯科塞斯是伟大的，而斯坦·李也同样值得被称为伟大。流行与高雅，商业与小众之间没有孰高孰低，也没有比较的意义。
艺术应该“好玩”吗？
艺术应该“好玩”吗？
以我的理解，Jonathan Blow所追求的就是抛弃娱乐性的电子游戏。他似乎在尝试创作一种交互电子艺术。
《The Witness》存在着解密的玩法（真的不好玩！），但吹哥也在尝试通过游戏这个媒介来表达哲学观点。
目前，娱乐性仍然是游戏的根本特点，也是游戏存在的理由。
游戏也是所有艺术种类中，唯一存有交互性质的（当代艺术的某些交互装置除外）。尽管种类繁多，但是99%的游戏一定是以“好玩”作为创作目的的，只是不同游戏给予玩家的奖励反馈不同。
我将这种反馈机制大概归类为三种：
- 掷骰子类（随机）的赌博式奖励
- 因为玩家的正确决策而奖励
- 因为玩家的正确操作（反复练习而熟练）而奖励
无论是哪一种奖励，其目的都是刺激玩家，是对玩家“玩游戏”的活动进行的反馈。玩家在游玩过程中，悄然间形成了一种，因为我玩游戏，所以我会得到快感的逻辑。
其他任何一种艺术形式都不存在如此“功利”的快感奖励机制。我们一定会以消遣作为目的去欣赏一幅画，去听一首歌。任何形式的艺术都或多或少存在着娱乐性，但游戏拥有无与伦比的参与感，在你对游戏进行操作的过程中，你就已经获得了快感。
还有一个很重要的特点是，为了让使游戏的娱乐性成立，游戏设计重要考虑难度因素。无论是被称为硬核游戏的黑魂系列，还是到最简单的贪吃蛇，俄罗斯方块，只要是游戏，就一定存在难度——本质上还是服务于快感奖励机制，使玩家产生成就感。
再拿以文学举例，我们在阅读一本书的时候，除了获得书中记录的内容外，我们间接的接受了一种以语言为基础的理性逻辑。这就使得阅读的过程不单单是对书本文字的理解，我们在这个过程还“动脑”了。这是当今游戏以及爆米花影视作品远远做不到的，这些作品的主要目的只是娱乐。
最后
最后
尼尔·波兹曼（Neil Postsman）在《娱乐至死》中曾举例，无论印第安人的升起的阵阵浓烟寓意为何，烟雾永远都无法表达哲学。
它（烟雾）的形式就已经排除了它的内容。
任何时期的任何艺术形式都是带有功能性的。远古时期人们在洞窟上绘画是为了记录生活；文艺复兴之前，欧洲绘画大多是服务于宗教。而电子游戏的功能则是作为一种娱乐商品。我们不能为此而否认电子游戏作为一种艺术形式而存在，当然另一方面，作为一种商品，电子游戏通俗化的特点几乎不可避免，热爱游戏的人不应该为此而感到羞愧，也更不必去盲目崇高化玩游戏这个行为。
失去了资本支持的电子游戏还能被高质量的完成吗？没有了娱乐性的游戏还能被称为游戏吗？这些特点早已成为限制电子游戏的框架。作为一种流行艺术，我想电子游戏早已证明了它的能力；但如果我们向电子游戏寻求更多，我认为它还有相当多需要证明之事。
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