美术馆漫游指南：聊聊欣赏当代艺术

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在18世纪时人类就已经有了博物馆，而现代美术馆则诞生在其后的20世纪。比起强调历史，还原，保存过去器物的博物馆，现代美术馆提供了一个让人们亲自欣赏现代艺术，甚至同时代艺术的平台。
而在2020年，艺术早已不再是梵高，毕加索。由于国内的艺术教育发展起步较晚，我们的大众审美标准与当代艺术逐渐割裂。当我们在谈论艺术，很多人首先想到的会是针筒书法，或者在直播间一直持续6个小时的互相问“您配吗”。

绝大部分时候，人们更愿意去电影院看一部电影，相比之下美术馆的体验似乎并不那么“轻松”。
当然如果能在KAWS的展览中拍张照片发在 Soical Media 上就要另说了。
艺术与“美”术
所以我们要如何欣赏当代艺术呢？
我们仍然习惯于将 Art 或者 Fine Art 翻译为美术，这也是影响着我们理解艺术的原因之一。早在一百多年之前，当杜尚把小便池拿到展览上作为艺术品展出后，“美”这个概念似乎不再是艺术的唯一标准。

是的，当代艺术并不一定是美，甚至会出现与美完全背道而驰的作品。对于使用粪便，血液，动物尸体这样猎奇媒介的作品也早已见怪不怪了。

艺术家们不再追求美，而是追求内心的情感体验，也就是人自身。衡量作品的标准也不再是作品的成本或者创作者的技术。高尚或者低俗，愤怒或者感动，在2020年的艺术世界，任何形式的作品呈现都是被接纳的。我们不仅仅需要歌功颂德的雕塑家，也需要在世界上不同角落发声的行动者。
欣赏艺术
欣赏艺术是一件非常个人的体验，不会存在可以感动所有人的完美作品。艺术作品没有什么玄妙的法门，有的只是能产生共鸣的个人经历，或者甚至是一种对自己无法形容的吸引力。
我根据我个人的体验，以一些比较容易引发共鸣的作品为例，希望能够让大家感受到当代艺术的共性脉络。当然这里我的这些理解仅仅是一家之言，每个人都应该有每个人独特的艺术品味。
《完美恋人》

艺术家Felix Gonzalez-Torres 将两个一模一样的时钟摆放在一起构成了自己最著名的作品——是的，挂在墙上的两个时钟就是他作品的全部内容。
那么观众如何去理解作品呢？在展览中，与这两块时钟一起展出的，还有艺术家写给他已经去世的恋人的情书：

他通过时钟表达了自己对于亡故爱人的感情，“我们如时钟运行般同步，当下直至永远。” 当观众读毕这些文字，体会到了时钟的意义，也才能够和这个作品产生共鸣。
当我们理解了时钟代表了他与他的爱人，再来看这幅版画也就有了一定的线索。如果对其之前的作品没有一定的了解，只看到这两个圆圈会觉得是艺术家在故弄玄虚也就不奇怪了。

草间弥生和波点
除了使用时钟这类人们观念中寻常的元素外，运用带有个人化的元素进行创作也十分常见。重复大量的圆点图案贯穿了草间弥生的整个生涯，无论是绘画，雕塑甚至是行为艺术中都充斥着她极其强烈的个人风格。

这种圆点存在着什么象征主义的意义吗？我认为是没有的，网络上有人认为圆点代表着大到星球小到原子的一切，这种想法就如同“诡异的光”这个梗。过度解读是一种非常典型的对于当代艺术的误解。

在草间弥生童年时期的涂鸦中就已经出现了重复的圆点图案，她自称从小就患有视觉障碍。所以她的圆点图案只是她独特的创作方式，随着她不停的创作，这种图案也就代表了她本身，圆点本身也就变成了意义。

另外，我觉得知乎上这篇回复讲的十分贴切，在此不再复述。

大卫霍克尼
所以当代艺术就是要“出奇制胜”，甚至有种耍小聪明的意味吗？不是的，如绘画这种传统媒介依旧有效。
大卫霍克尼目前仍在世的最重要的画家之一。与其它前卫的创作风格不同，他的绘画并没有什么特别的噱头，却又极具个人风格。

在这幅《My Parents》 中，斜坐在画面中，踮起脚，低头翻阅杂志的父亲与另一边安静的，保持正坐姿势的母亲形成了两个鲜明的个人形象；穿着一冷一暖，利用中间的物件分隔，整幅画面十分生动。也许是因为模特是自己的父母，这幅作品是他所画的最为生动，深刻的肖像画。
除了人物画像，他还十分迷恋游泳池。《A Bigger Splash》 是他最著名的作品，在去年还曾经在中国展出过。这张作品也表现出了他强烈的个人美学元素：扁平化的画面，大面积的蓝色，游泳池以及棕榈树（植物）。

“更大的水花”完成于1967年。个人认为，他在美国期间的创作风格对于随后在日本出现的City-Pop 产生了很大的影响，空旷，充满阳光和棕榈树，构成了一种并虚拟的，存在于想象之中的加州光景。同时和霍克尼一样，City-Pop的插画都很少描绘人物。
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另一面
实际上关于当代艺术的争议，从它被定义出来起就没有消失过。它过于晦涩，比起传统的艺术形式，当代的创作更加立体，我们视觉上感受到的已经不再是全部，甚至只是很小部分的呈现。
Maurizio Cattelan 用胶带将一根香蕉粘在墙上，就完成了一个作品。他是一位非常善于讽刺，创作有幽默感的作品的艺术家，但是一根香蕉这样如同随手拈来的现成品，再加上没有其他过多的提示，人们很难不会去猜测这是不是创作者在戏弄观众。

而这个香蕉被另一位表演艺术家，在展览期间当众拿下来并吃掉，完成了另一个行为艺术。

除了过于晦涩，攀比猎奇，个性化的怪圈外，艺术世界正在渐被资本左右。由于形式多样，没有统一的衡量作品好坏的方式，似乎标价成为了一种衡量作品价值的标准。在艺术拍卖会上的当代作品被拍出十万百万的数字早已屡见不鲜，更不用说近年来流行的艺术家与时装，奢侈品品牌的联名合作了。
涂鸦艺术家Banksy的作品被拍出了104万英镑的价格，在现场成交之后他启动了碎纸机，破坏了自己的作品。他以此来对艺术品交易市场进行抗议，表达自己对于此的不满。

然而实际上是，拍下作品的收藏家依旧愿意出价购买，因为这个事件让这幅被破坏的作品名声大噪，价值也早就超过了原本的数字。Banksy 想要借此发声，得到的却是更疯狂的资本回应。

我想到了《黑镜》第一季里那个原本只是为了宣泄自己的愤怒而上台表演的黑人。
最后
好的作品应该是冰山状的，艺术家的体验，感受构成了冰山下坚实，充实的底部，而最终的作品只是水面上的山峰部分。只是有些作品的山尖过于微小抽象，实在无法让观众感同身受；也有些作品外表看似高大稳固，实则没有多少深意，败絮其中。
真正想要理解当代艺术，对于艺术史的了解同样是不可或缺的。希望这篇文章能够让艺术在你心中有一个更清晰的轮廓，如果你曾对“艺术”这个词感到十分遥远，希望这篇文章能消除你对于当代艺术的恐惧。
就如同杜尚的小便池所表达的：别把艺术太当回事！
最后，在美术馆合影留念并不是一件多么值得鄙弃的事情，不过比起单纯的拍照片，找到一件自己真正心仪的作品，才是一件更值得兴奋的事情吧。