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Todd Edwards（UKG流派灵魂人物）：Thomas在搓一首歌，然后他控制台的一根线自己掉了，大家都知道把线插回去的时候，会发出一个很讨厌的低频噪音，此刻正是两首歌之间的过度，而他当场用这个噪音做了下一首歌的基调，我都直起鸡皮疙瘩，简直是大天才。 ——摘自纪录片《被解放的蠢朋克》
前言
前言
这篇文章大概是想让一些严肃音乐人或者听者改变对电子音乐的刻板印象，一篇都是我个人见解的缺少科普文学性的文章。
Darlin乐队
Darlin乐队
首先，这篇文章不是一个Daft Punk发展史介绍，因为已经有太多人说了，但我还是很想说一下，在蠢朋克解散时，国内的一些自媒体或公众号说蠢朋克的前身Darlin的歌曲是真的不太好听，所以才会出现Melody Maker的刻薄评价。
但事实上，Darlin的首张EP反响很不错，而国内自媒体在评价这里的时候直接选用了一首demo，我不得不解释一下，他们的歌曲在一开始获得了较高的评价，并且现在流传的单曲也不是不能听的废作。Darlin的歌曲偏向Shoegaze流派，1992年也是shoegaze爆发的年代，并且在他们一开始就已经在摇滚里融合Funk元素。
Synthwave
Synthwave
合成波和网格波形艺术
合成波和网格波形艺术
注意，这里不是一篇科普向的Synthwave文章，只是我个人的理解和我知道的这种音乐和Daft Punk的关系，如果想更加了解这种流派，请观看《合成器的崛起》纪录片，或者阅读以下文章 Synthwave: 关于“合成器浪潮”音乐的一切，都在这里
Synthwave的单曲封面或者专辑封面所描述、重审的一种美学来自于80年代的电影、游戏，网格设计的灵感可能来自《创战纪》。我认为这些设计大多数来源是80年代的科幻电影，在近年开始的新式Synthwave，比如把老的Synthwave网格背景加上一辆复古跑车和迈阿密落日色的新Synthwave设计名叫outrun，这一词是从Sega在1986年上市的街机赛车游戏演变来的。
这些设计，我认为可能或多或少地借鉴了永井博的画作。
Synthwave现在被认为是冷门音乐，但Synthwave真的冷门吗？无论在国内外，在今天来看，这些作品的听者也是不少：
是吗？看起来是不少，但跟现今的流行音乐或以前的任何大流派相比，Synthwave的听者非常少——在Soudcloud上Synthwave的tag追随人数才只有14.5k。表面上看的确如此，但无论是 Taylor Swift，The Weeknd这种现在的顶流艺人都在做这种音乐，或者接近这种流派，还有现在的电影，游戏，都在试图和Synthwave碰撞。
以下单曲被定义成Synthpop，但里面的合成器更加接近Synthwave，并且盆栽的新专辑，还有他的单曲封面，就已经证实了他在制作Synthwave或从这种音乐获得了灵感。
Synthwave和Daft Punk和合成器
Synthwave和Daft Punk和合成器
首先是Daft Punk对现在一部分Synthwave制作人产生的影响，我认为大部分影响都来自于蠢朋克的首张专辑《Homework》和第二张专辑《Discovery》。
在Daft Punk和盆栽合作的专辑里，他们也加入了大量的合成器元素，而我觉得，这些元素正是Synthwave的编曲，在这些单曲的MV里，也加入了Synthwave的元素。
Valerie Collective创始人说这（《Homework》）是一切的开始，这里不得不推荐Daft Punk成员Guyman参与创作的单曲：
Synthwave虽然不是Daft Punk完全创造的产物，但或多或少的都和他们有着部分的联系，包括面具文化和电子音乐的地下精神。在现在来看，有很多的电子音乐流派都和蠢朋克有着关联，但本篇文章所介绍的这种，唯独使用合成器来制作的音乐，我觉得它更加接近蠢朋克的精神。Synthwave也不仅限于合成器，它可以融合摇滚，金属，朋克的精髓来制造出更加独特的情绪和氛围。
Parcels和Daft Punk
Parcels和Daft Punk
Daft Punk的前身Darlin就在歌曲里使用了部分Funk元素，Daft Punk也不例外，在电子音乐里使用大量Funk元素，他们的编曲非常好玩，在早期的专辑基本上从来不自己录制乐器声，而是从其他的经典单曲采样然后拼接，从而制造出一首全新的歌曲。
Parcels
Parcels
这支来自澳洲的新生乐队，也是一群天才，他们的音乐基本上是Funk融合了些NuDisco元素，并且无论从听感和反响来看都非常的不错
《Hideout》(EP)
真正让他们发扬光大的专辑，和乐队同名的专辑《Parcels》，也是乐队的第一张正式发行的专辑，这个乐队天才般的编曲很快就被注意到了。
回忆起法国巴黎2016年四月某日的晚上，Parcels离开澳洲来到欧洲已有两年时间，同名在一间名叫Les Baines的时尚酒吧举办第一次他们首张专辑《Clockscared》 演出，但他们并没有发现大名鼎鼎的Daft Punk也在现场，演出结束后，Daft Punk做了简单的自我介绍，并表达对Parcels音乐的热爱，进而促成单曲《Overnight》的合作。 ——摘自《澳洲新復古樂團之最：Parcels》
后辈对前辈的致敬
2021年2月22日，Daft Punk的官方账号发布了一个名为尾声的视频，随后他们的经纪人正式宣布了这个传奇的解散，在尾声里，他们使用了《Touch》这首单曲。说到这里就不得不说说我对专辑《超时空记忆体》（Random Access Memorie）的看法。这张专辑不仅获得了媒体和乐坛的极高评价，拿下了第五十六届格莱美年度最佳专辑，作为本世纪最耀眼的专辑之一，这张专辑对现代流行音乐的批判，还有带给听者的情绪和感触，只能由你自己的耳朵去听了。
我也知道现在的许多严肃音乐人或听者觉得电子音乐就是一个很好玩很复杂的儿童玩具，很多人也会给Daft Punk加上这种标签，但实际上他们早已经不再是单纯的电子乐制作人或某些人认为的DJ，如果真的想要了解还是需要自己来听。
《Day/Night》
《Day/Night》
2021年11月5日，Parcels的专辑《Day/Night》发行，这张专辑加入了很多元素，前卫，交响乐，还有他们拿手的Funk和Nudisco，而这张专辑的首曲也致敬了Daft Punk的终曲（《Touch》）：
Daft Punk和他们所制作的流行
Daft Punk和他们所制作的流行
Stardust
这支乐队（既 Stardust）只是三位好友的一个想法或做着玩的，目前为止他们只制作发行了一首单曲，但是，这支乐队所发行的单曲却成为了经典。
《Music Sounds Better with You》
《Music Sounds Better with You》是French House三人乐队 Stardust 的唯一一首歌曲，于 1998 年 7 月 20 日发行。这是一首电子舞曲（Electronic dance music），从 1981 年Chaka Khan歌曲“ Fate ”中采样的吉他即兴riff构建而成。Stardust 由制作人Thomas Bangalter、DJ Alan Braxe和歌手 Benjamin Diamond 组成。单曲发行后，他们就解散了，他们认为这创造了“某种魔力和神秘感”。 《Music Sounds Better with You》最初由Thomas Bangalter的厂牌Roulé 发行，随后在 Virgin Records 发行了更广泛的唱片 ，并伴有由Michel Gondry执导的MV。它于 1998 年 8 月首次在英国单曲榜上排名第二，并保持两周，成为当年英国最畅销的单曲之一；它还在美国Billboard Dance Club Songs排行榜上占据了两周的时间。它在英国获得双白金认证，在澳大利亚获得白金认证，在比利时获得黄金认证，在法国获得白银认证。“Music Sounds Better with You”获得了极高的评价，并被多家出版物评为有史以来最伟大的舞曲之一。 ——摘自wiki
同时该歌曲还被收录在《GTA5》的电台当中：
法瑞尔·威廉姆斯(Pharrell Williams)
我觉得他们两个是独一无二的整体，把他们当作人类 对我来说一直有些困难，就音乐而言，这两个机器人就简直太与众不同了，你绝对无法想象与他们合作时的感受，一切都是那么简明扼要，一切皆有原因 没有意外 没有巧合，没有错误 一切皆有意图 一切皆有目的，他们从来不让步，对我来说他们是神派来把音乐带给这个世界的，来提醒人们 好的音乐是可以带来好的感受的。 ——摘自纪录片《被解放的蠢朋克》
Julian Casablancas和蠢朋克
我肯定会很乐意与他们再次合作，我的意思是《Instant Crush》很酷， The Strokes主唱和Daft Punk的合作，听起来很酷，两支传奇的合作，让人们很激动，在2010年制作《Tron:Legacy》（是2010年迪士尼同名电影的配乐专辑）配乐时，Daft punk通过一位他们共同的朋友在工作室与 Julian 会面 ，这对二人组是The Strokes的粉丝，Daft Punk给了他一首伴奏Demo，Julian在听完试听后对试听的反响很好，随后同意提供伴唱，这为后来的《Instant Crush》奠定了基础。关于歌词，Julian回忆说，Daft Punk向他提出了“整个叙述”的概念，有一次，他想知道这首歌是否应该根据Daft Punk的想法来命名为“Summer Crush”，这个故事讲述的是童年遇到的一个女孩的记忆，但错过了和她在一起的机会。Julian最初根据这个故事并结合Paul Williams提供的写作来创作歌词，但觉得结果很“平淡”，Julian放弃了这些歌词，取而代之的是他自己创作的歌词，以适应《Instant Crush》的结构，并表示这样做更能表达Daft Punk的观念。 ——摘自wiki
21世纪、世纪神作《Get Lucky》
我想这支单曲对《超时空记忆》这张专辑的意义尤为重大，Daft Punk的偶像Chic乐队的吉他手Nile Rodgers：《超时空记忆体》对我来说非常棒，这不仅仅是因为我们在我为Chic录制首支单曲（Dance Dance Dance by.Chic）的地方，Jimi Hendrix的 Electric Ladyland录音室录制的专辑，我们在这里录音的时候，我们经常会说这里有巫术，因为“巫毒小王子”JimI Hendrix也在这里录过专辑，这些墙里就像是住着灵魂一样。Daft Punk是Chic的粉丝，所以当他们知道 Chic是在这间录音棚里录的他第一支单曲的时候，他们问道，嗯……你们是怎么作曲的？我答道：“这个嘛，通常我们先这样”，我先写一个和弦走势，然后听一下低音走势，低音确定后，我在这个基础上不断增加改进，他们听了以后跟我说“Oh My God There is cool”，当时我必须得走了，还有另一个曲子要录，要不然我就留在那里继续写这首歌，因为 能和自己尊重的艺术家一起工作我特别激动。 ——摘自《被解放的蠢朋克》和 Creators对Nile的采访
这首单曲不止成为那一年的流行，也成为了经典，在我推荐给不懂音乐的朋友听这首歌的时候，他说：“嗯……怎么一直重复，听起来挺简单的”，当然他并无恶意，只是在等待我的回答。我回答道：“是这样的，但很多人都对这个吉他难以熟悉，这个riff段落非常难弹”。
他说：“不过我还挺喜欢这首歌的，听起来，非常的舒服”，在大多数视角下看，这首是有众多“ylg”听众的，但是我觉得这并没什么不好的，他们可能会因为某首歌作为基石去更深层的了解音乐。
Alive 2007
Alive 2007
科切拉音乐节在加利福尼亚南部，靠近洛杉矶，每年不可错过的音乐盛事，大家都会去现在已经成了美国音乐工业的主要活动之一，如果你第一次在科切拉演出，而且反响不错，那你肯定能红，科切拉音乐节是一个造星机器，而且每年想法设法让Daft Punk来演出，但一次都没有成功过，2005年的时候主办方就提出给他们25万美金演一场，他们说不要，第二年主办方又把价格提高了，30万美金一场的Daft Punk演出……Daft Punk前经纪人Pedro winter说：“我跟那些美国经纪人说了，他们不做巡演，但是这个报价挺大方的，这个音乐节也挺火的，让我跟机器人谈一谈。” 2006年的科切拉是一场巨大的赌博，因为人们觉得这支乐队已经失去了冲击力，人们觉得Daft Punk已经不赶趟了，也没有什么重磅炸弹可以推出，在专辑《Human After All》的失败之后使自己重获青睐，在电子音乐的领域，像这样的乐队必须跟上时代，所以人们觉得Daft Punk这支乐队已经玩完了。 Pedro winter：“我不记得他们是当天就给我回电话了，还是三天后回的，反正他们跟我说，告诉他们，我们没准去。”通常，做现场表演的话，主办方会先付10％的预付款，但是Daft Punk毫不犹豫的 跟他们要了比全款还多的钱，因为他们需要这些钱来准备演出，基本上没有人知道这件事，完全是保密的，除了技术人员知道一些，连他们的经纪人几乎也什么都不知道。Pedro winter：“我在科切拉开始的前十天到了排练场地，然后我看到的是这些，现场搭建起了举行的金字塔状的东西，很多面的LED灯搭建的光墙，现在你可能觉得没什么，大家都用LED灯，夜店里都是，但是在那个年代，我记得，要想把这种规模的金字塔都布上LED灯，我们得和全美国的供应商联系，灯泡从各个地区送来，根本没那么简单，Thomas和Guy跟我说，你先坐下，然后我们单独在那个房间里为演出做准备，但是只是做音频部分，我没有权利看灯光部分，音频是三张专辑的Remix。” 那天晚上他们就像是音乐恶霸，通常每场演出都有半个小时的休息时间，但是他们要整整一个小时，他们让观众苦等了一个小时，整个后台都清空了，所有人都得离开，Pedro winter ：“当时间终于到了的时候，我们上，给他们穿好衣服戴好头盔，我到处跑来跑去，分发印着唱片公司LOGO的手环，我们的帐篷人满为患，太挤了，人都溢出来了，我们大叫着万岁，Daft Punk的回归是所有人期待的，我们算了一下，大概有3、4万人在现场，怎么可能，我们的场地只能容纳一万人。” 大家都惊呆了，不知道将会发生什么事，他们到底在干什么啊……然后金字塔出现了，着实要花好长时间，才能把整个视觉效果看全，那真是前无古人，从没人见过这种级别的现场制作，没人见过这么密集的、数量庞大的LED灯，还有这种质量的视觉效果，跟其他演出团体的制作水平相比，他们的级别实在太高了，在现场的观众纷纷发短信给其他场地的观众：“你们赶紧过来！别错过了最好的表演，老天爷！” 当时来音乐节的，我认识的所有人都跟我说，他们的电话都被打爆了，就好像你错过了史上最好的演出，当时所有人都拿出手机，那个时候使用手机录制视频上传到Youtube的风潮才刚刚兴起，事情变的很疯狂，所有人都被演出感染了，变的很狂热，很多人都在录像，然后发布在Youtube上。 Pedro winter：“我当时哭了，真是情不自禁，完全被演出的力量感染，观众的反应对我来说也是那么不真实，就像是在做梦一样 真实的梦境，在四万人组成的沙漠里，舞台就像一条小船，四万人沉醉在光效里 被音波一次次冲击着、快乐着。”在人群里有很多音乐圈的人，科切拉音乐节就是把这些有识之士聚集到一起，也有些满脑子摇滚的人不停的说，年复一年的说“这有什么了不起的，我不明白 为什么他们在台上什么都不做？吉他在哪儿呢？”他们今天终于明白了吧，还有那些硬核摇滚人士 第一次明白过来“原来这就是人们喜欢的东西吗？这就是人们这几年一直在讨论的东西啊”。 ——摘自纪录片《被解放的蠢朋克》
在读完这些后，您可能还会觉得，哦？这有什么，不就是一场很炸裂的Live吗，在音乐史上多么的正常，但是真正重要的是，是这些视觉效果的史无前例，就好像一个新生儿第一次看到了新年的烟火，别人没有想到的事，他们想到了也做到了。
这场演出直接影响了现代的所有演出，在这之后，几乎所有人的演出里都试图加入这样的元素，就像是1994年 在Unplugged in New York Nirvana引起了Unplugged风潮。
现在的电子音乐的确有非常多量产作品，Daft Punk有时候也会被加入进这种行列。
后述
后述
希望你可以在阅读完这篇文章后对电子音乐有一个新的看法，这篇文章我依然认为缺少文学性和科普性，如果想更加了解就还是去看纪录片或者其他文章，感谢你的阅读。
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