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几何的造型，化用的古典，金属色金属装饰，用色大胆，低调奢华。既传统又时尚，既沉稳又摩登，兼顾现代的简洁，不失纹饰的丰富。
Art Deco（装饰艺术运动），20世纪二三十年代发轫，流传至今，在简约设计主导的时代，它为装饰代言。
1925年，巴黎举办了“装饰艺术与现代工业国际博览会”（Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes），Art Deco这个名字来源于此。
这场盛会，其实也即1925巴黎世博会。每一届世博会都有一个切合时代的主题，而1925年这次，把“装饰艺术”与“现代工业”并置，则足见此议题在当时的重要性与时代性。
Art Deco并非仅仅是“20世纪初一个搞装饰的风格”，在发生时间上，它与包豪斯主义基本重合。
在那之后，代表功能与简约的包豪斯成为现代设计正统，而代表装饰的Art Deco则被遗忘被忽略，直到1960年代后逐渐开始复兴。
Art Deco是兼收并蓄的，它的装饰是基于对文化传统广泛的继承融合，并运用前卫艺术加以现代化诠释。 由此带来的可塑性、兼容性、适应性，使它展现出强大的生命力。Art Deco自复兴以来，总能紧跟时代展现魅力，并一如最初那样，作为一个全面的设计运动，广泛影响着设计的所有领域。
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融合来自历史、传统以及各国文化的元素，这是Art Deco最突出的一个特点。
欧洲本地的古典文化，东方文明，古埃及文明，以及非洲原始文化，乃至美洲的玛雅文明与阿兹特克文明等等，在Art Deco中，都得到了广泛的吸收、继承、与展示。
一个直观典型的代表，是那时时尚产业崛起所催生的Art Deco插画，由于受生产条件限制较少，平面艺术总能更自由地表现所属风格的想象力。
20世纪初，在第一次女权运动洗礼下，时尚领域出现了一位划时代的人物：Paul Poiret。作为改革女装的第一人，这位传奇的法国设计师，将女装从S型改为H型，拘谨古典的束腰女装彻底改头换面，女性不再为服装所束缚，现代女装从此诞生。
一如Art Deco，Paul Poiret的设计广泛地从不同文化中汲取了灵感，古希腊希顿装，穆斯林长袍，宽衣大袖的中国古装，以及土耳其灯笼裤等等，不胜枚举。
在他之后，各路大师也纷纷登场，比如Jean Patou，以及堪称现代女性旗手的Coco Chanel等等，一起推动了时尚史上开天辟地的1920年代。
如今对于时尚产业来说，诸如Gucci，Yves Saint Laurent等品牌对Art Deco的一贯推崇，不仅仅是学习与借鉴，更是一种文化的寻根与致敬。
时尚产业的鼎盛，催生了对插画的蓬勃需求。因为摄影技术尚未成熟，今天时尚杂志中由照片承担的大量配图任务，这时都靠艺术家手绘完成。
由此，大量艺术家纷纷参与到Vogue等杂志的美术制作中，这些人个个才华横溢，以致一时间佳作涌如潮水，异彩纷呈，成就了时尚插画最辉煌的全盛期。服装设计与插画本身所展示出的Art Deco精神，也因而得到了忠实记录，更借着印刷品的独特优势，迅速传播普及开来。
而在众多插画师中，最见Art Deco风尚的要数法国艺术家Erté。
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Erté的作品，即使放在今天也仍然不显过时老派，“融合文化传统并加以现代化表现”这一点，在他的作品中表现得相当充分。
从1915年起的22年间，他共为芭莎杂志（Harper’s Bazaar）创作了超过240个封面，2500个插图，作品极具辨识度，构思与用色精彩非凡，与同时代众多其他大师放在一起，可以说是独树一帜，卓尔不群。
画面中，具体到人物塑造，服装样式，背景装饰，抑或场景里的物象等等，都充满了对异域文化的借鉴，比如大量出现的中国元素，以及人物描绘上来自中国工笔画的影响。
俄国芭蕾是Art Deco融合的一个重要文化，这在Erté的插画中有典型表现。
Erté的作品，画中人物姿态，并非日常与拘谨，而是优美舒展，轻灵自然，极具舞蹈性，与众多其他时尚插画相比，更能诠释新女装所要表达的精神，即自由、独立、自信。
对形体的这种理解与塑造，正是受到了俄国芭蕾的影响。Erté本是俄国人，原名Romain de Tirtoff，而“Erté”其实是缩写R·T的法语发音，是到巴黎后Paul Poiret给起的名字。
芭蕾这门影响世界的艺术，诞生于意大利，成熟于法国，达到鼎盛则是在俄国，比如《天鹅湖》、《胡桃夹子》等经典剧目，都堪称划时代的作品。
而俄国芭蕾的中心，则在圣彼得堡，这正是Erté的家乡，他从小饱览芭蕾舞剧，并为之着迷。 20世纪初，俄国芭蕾舞团在各国巡演都会引起轰动。尤其是法国，俄式芭蕾以及俄国文化的一切都代表着潮流与时髦，芭蕾舞者是最红的大明星，芭蕾舞剧的服装、布景、道具则深刻影响了设计师们，为Art Deco注入了那特有的低调奢华与浪漫典雅。
当时的商业美术家并不限于插画，而是身兼多职的全才，平面、服装、工艺品、产品、室内，都多有涉猎，而且很多都醉心于为芭蕾设计戏服与道具布景。这是芭蕾影响Art Deco的重要途径，也促进了Art Deco风格在各领域的贯通。
20世纪初是古典与现代的转折点，文化传统要如何继承，才不显得泥古落后，现代面貌又该怎样表达，才不致单调轻浮：如何化解古典与现代的冲突，怎样处理呈现？
对于这个后来被反复探讨的问题，Art Deco的尝试探索出了一种基本思路，为无数后来者打了个样。
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Art Deco提供了一种方式，一种巧妙的料理调配之法，能把古典与现代糅合，用摩登的方式表现古典，用古典的手法展示摩登，浑然一体，并行不悖。 而这种配方，很大程度上来自对前卫艺术的运用。
抽象、简化、几何化，分析、解构、变形、重构，色彩的变革，结构的创新，20世纪初的前卫艺术有很多共有的特点，虽然侧重各异，但都反映了工业时代的思维方式。这些特点，也继而影响了当时的设计。
法国的野兽派，用直接挤出不加调配的颜料作画，大面积平涂，色彩鲜艳，画面简单，线条与色彩本身的美交织成律动，具有明显的装饰性。
用色上不囿于物象固有色，而是多遵循作者的主观理解，比如马蒂斯的Open Window，画面并非自然色彩的忠实再现，而传情达意却不受影响，甚至反而更准确了。此情此景，愈加真切动人。
1905年，野兽派第一次专展。展厅中，有一件古典的多纳泰罗式雕塑没来及搬走，于是有评论家观展时因震慑于野兽派的不羁，竟不禁惊呼：“多纳泰罗在野兽中间！”这是“野兽派”名称的由来，也精准地表现出它的大胆奔放，泼辣直白，以及相对古典绘画激烈的前卫属性。
这种简单而热切的方式，以及那敏锐的感觉，鲜明的态度，被Art Deco完美继承，并应用在作品中。相较变革色彩的野兽派，立体主义和未来主义则关注了形与结构，它们将物象简化成几何图形，并大量使用叠加、拼贴、并置、对比等手法，前者侧重静态的几何形构成，后者兼顾物象运动的微妙，是工业时代的机械崇拜。
较之商业美术家，前卫艺术的这些特点，在纯艺术家的Art Deco作品中，往往有更朴素直观的体现，比如Rene Magritte。
没错，就是后来的超现实主义泰斗，雷尼·马格利特，他在1920年代曾作过一些Art Deco广告插图。搞纯艺术的他运用起前卫艺术来，可以说是毫不掩饰，理直气壮，与时尚女郎搭配，效果奇妙，诠释了前卫艺术影响下，最犀利、纯粹、原始的Art Deco风貌。
当然，更能体现这种风貌，尤其是立体主义与未来主义的，可能还是Art Deco的另一个主要阵地：建筑。
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Art Deco建筑，无论是整体造型，还是装饰细节，都表现出强烈的几何化特征，历史性装饰被简化成几何图形，用现代的方式重现。
大量出现的竖向线条，折线、阶梯状，尖券、束柱，以及向上逐渐收缩的轮廓线，则突出了垂直向上的高度感。
在全盛期，Art Deco建筑曾在世界各地辉煌一时。包括中国在内，至今常能见到一些古风今韵同存，特别有格调的楼宇，往往都正是Art Deco建筑。比如最初建设高峰恰好同期的上海，1930年代建成的高层老建筑，就几乎全在此列，城市底蕴的名片，少不了它那一份来由。
也是在这段时间，正值柯立芝繁荣的美国，建设也开始了一个爆发期，以至于成为Art Deco建筑最多的地方。
美国的高楼有个特点，与更常见的玻璃幕墙塔楼不同，纽约等城市的摩天大楼，很多是略带古典的石材建筑，比如帝国大厦与克莱斯勒大厦，都正是典型的Art Deco建筑。
Art Deco所到之处，当地建筑师都尝试将它与本土风格结合，运用它的表现手法，来展示本国的文化传统。 上海就曾有过尝试用Art Deco复兴中国古典风尚的潮流。美国的Art Deco建筑，也多有借鉴来自美洲文化的符号，比如造型仿似阿兹特克金字塔的楼顶。
果戈里说：“当诗歌与传说都已缄默的时候，只有建筑还在说话”，海派文化也好，爵士摩登也罢，都很大程度上，在Art Deco里找到了一种见证、记录、与传承。
时至今日，对于建筑与室内风格而言，Art Deco仍然影响卓著。很多楼盘的设计，尤其是高档楼盘，以及酒店装潢，都是典型的Art Deco，或借鉴了其中一些元素。
当然，尽管如此，它却远远不是主流更不是正统，包豪斯及其开创的现代主义才是。
与Art Deco相似，包豪斯也受到前卫艺术的影响，而影响它的主要是其中的荷兰风格派与俄国构成主义，早先还包括德国表现主义。对比相关艺术作品与包豪斯的建筑，这种内在关联清晰可见。
20世纪初见证了前卫艺术最早的集中爆发，其影响之巨，至今体现在设计的方方面面，从平面到服装，从产品到建筑，甚至很多动画的制作表现，都能从中找到渊源。
而与相对感性的野兽派、立体主义、未来主义不同，风格派与构成主义，并不仅仅是纯艺术流派，而本身也是设计运动，不只是影响了包豪斯，更与包豪斯一同成为现代主义的基础，用工业的理性思维重塑了设计。
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自笛卡尔与牛顿之后，机械论成为底层逻辑指导形成了工业时代的一切，从工业的生产到商业的管理，再到人们普遍的思维方式，无不如此。这也内在地决定了被历史选择的，是包豪斯，而不会是Art Deco。
设计如何适应机器化大生产，这是当时的紧要任务，而包豪斯所开创的现代主义，真正实现了设计的现代化，奠定了现代设计从系统的方法论、基本范式，到具体审美的一切基础。其进步性，变革力，是Art Deco难以相比的。
但这并不意味着Art Deco所代表的装饰主义没有意义，现代化固然重要，但传统怎可轻易抛弃，装饰又何错之有，虽然略显折衷主义，变革得也不够彻底，但革新的路上，或许还是能有办法，可以带着传统一起。
1925年巴黎的那场世博会，实际并非1920年代才筹备，而是可以追溯到1907年，这一年，德国工业同盟成立了，这是包豪斯的历史渊源。 正是为了对此作出回应，法国开始筹备世博会，用以展示关于现代设计的法国态度。但后来由于一战等原因推迟到1925年才真正得以举办。
因此，Art Deco实际是现代设计正式形成前的构想之一，是与德国包豪斯相对的法国方案。
而它最初的名字，甚至都不是Art Deco，而是也叫现代主义（Le Style Moderne，Modernistic等），后来是在1960年代对它的重新发现中，才依据1925年世博会更名为Art Deco，更贴切更时尚，也可与包豪斯的现代主义（Modernism）区分。
此时，经过全球范围内几十年的发展，包豪斯主义逐渐被滥用，脱离 “功能主义”，“形式从于功能”的精神实质，开始出现曲解的，为了简约而简约的形式主义。甚至设计出来的产品与功能相悖，而整齐划一千篇一律的“国际主义建筑”，也被认为不尊重当地传统。
为了矫正这种趋势，后现代主义开始兴起，与Art Deco相比，尽管具体的风格不尽相同，但思想内核却几乎完全一样。
同样的装饰主义立场，同样的尊重历史，同样的融合传统、多元文化与当地特色，在此基础上，又承继彼时正盛的波普艺术，增加了通俗文化认同的内容，从而成其时代性与创新点。
这是穿越时间，来自Art Deco的某种反击吗？抑或是否在最初，二者就分别代表了设计内在双生的两面，但却只有功能主义得到了妥善的发展，装饰艺术则被暂时撇下了，因而必然会在合适的时间重新成为话题。
大体也是1960年代开始，信息产业的崛起，物理研究的新进展，使得机械论不再一统天下，出现了全新的方法论，多元取代单一，不确定性取代确定性，底层逻辑开始变化，一切都变得不再一样。从那以后，装饰的因素开始回归，Art Deco开始复兴，并且每隔一段时间就重新流行一阵，不仅广泛融入并影响了如今的设计，更在今人手中发扬出Art Deco别样的当代活力。
装饰有意义，就像Art Deco大师Paul Follot的话：
最基本的生活必需品，对人类而言是不够的……音乐……鲜花……香水……女孩的微笑。
又如美术史学家沃尔夫林说的那样：
美术史主要是一部装饰史。
从远古开始，人们就自发地为器皿绘制纹样，对纯粹的装饰美，那与身俱来的欣赏向往，是如此单纯、朴素、正当。在功能性之侧，它不是多余的无用之物，应该被更好地对待吧，或许本该如此。
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