译介丨空间中的故事

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正在阅读本文的你很可能早已熟悉环境叙事（Environmental Storytelling）这个概念，它一般包括嵌入、激发、演绎和涌现这四种叙事模式。这些方便的定义能帮助我们识别和分类大部分游戏故事，但对于实际游戏叙事的创作并不起什么真正作用。于我而言，LeFebvre的著作带来诸多启迪，Henri LeFebvre（亨利·列斐伏尔）是一位法国哲学家和城市社会学家，曾撰写过关于社会力量何以塑造社会空间的文章。其核心理念便是，空间中的体验由设计、行动和意义三者相互影响和构建。由此推断，电子游戏中“环境叙事是为了充满沉浸感的叙事体验创造出先决条件”的一般观点存在缺陷。所以让我们暂时忘了环境叙事，现在来聊聊游戏叙事（Ludic Storytelling），其基于更传统的叙事方式，但仍可创造独特的电子游戏体验。

游戏叙事（Ludic Storytelling）是一种融合了视觉叙事、电影化叙事、戏剧化叙事和环境叙事的综合交互框架，这意味着当你设计自己的游戏叙事时，你必须同时协调下述三种元素：
结构：例如关卡、地图、过渡和交互界面
内容：这包括道具、演员、音频、命题和其他戏剧性的所有事物
行动：游戏机制、交互和运动 
以下，便是自我个人理解中诞生的一篇游戏叙事快速入门指南。这里必须强调，游戏叙事是一门高深庞杂的课题，像这样的指南仅仅只是浮于皮毛，并且这只是一种粗浅的理解方式，游戏叙事毫无疑问地会随着时间不断进化。我确信当下这篇指南存在诸多考虑不周或误解之处。
快速上手：游戏叙事
Step 1:
如果还未曾接触过艺术史，请去读两本！
真心话！
电子游戏是一种视觉媒介，如果你想发挥其充足的创造性，那么你应该对绘画、雕塑或电影等其他历史上的视觉媒介都有一定的了解，另外，别忘了观看一些不错的戏剧。
Step 2:
构思一个故事。这首先意味着你要有情节和一些角色。并且除此以外，你必须对整个故事的理解远远不止局限在情节和角色本身，也就是说你必须充分地分析出它其中的主题、象征和是否能处在更大文化语境的母题。
Step 3a:
确定你是否关心涌现式叙事，如果是，请现在打住，不用往后读了。涌现式叙事具备它自己独有的方式和节奏，不妨仔细考虑一下，你真的想把心思花在打造一套工具，以使玩家能够自由生成他们自己的故事吗？这一方式在Elegy to a Dead World（废土挽歌）或是Job Simulator（工作模拟器）及其他一些模拟器游戏中表现不错 ，但我认为这些游戏有它自己独特小众的市场生态位，实现上也比较棘手，而且如果你有一个深埋心底，不得不讲述出来的故事，它极大可能并不适合涌现式叙事。

如果你的回答是不采用涌现式叙事，那让我们来到Step 3b。
Step 3b:
首先，请想象你是一位舞台导演，试着思考如何将自己的故事拆解成一系列浓缩的短小体验或是场景？其中的主要场景和过渡长什么样？时间和空间关系如何？你要怎么在你的关卡中塑造它们的结构？
其次，搞清楚游戏机制要怎么与你的故事结构结合，你的玩家如何行动？你将如何“引导”他们深入你的故事？
并且，在这时候仔细思考你故事的主题，它将如何被游戏机制和结构反复的强调，以明确传达给玩家。
另外，时刻灵活运用你手上的工具。舞台上的道具/演员、声音、事件、交互界面、灯光、特效，以及关卡/地图。你的玩家既是演员也是观众。你可以创造一个广袤的开放世界，使玩家在其中自由移动，或者构建一系列像电影场景般的关卡，每一幕场景中间的加载便如同影片的转场。并且请记住一点，你的游戏世界也并不一定需要像现实世界一样运转，对吧？
Blendo Games 在30 Flights of Lovin（三十航班之恋）创造性地运用了跳切的手法，使玩家在过去和未来的时空中来回反复切换，最终促成了一系列极富创意的场景。

Step 4:
省略。问自己这样几个问题：你需不需要去掉一些不必要的内容？你的玩家是否需要经历故事的整个时间线？如果你使用一些留白，体验上会不会更具冲击性？在给予玩家类似于快速旅行这类也许会跳过一些内容的功能之前，请仔细考虑这是否会破坏他们的体验，过渡会因此变成什么样，并且趁这个时候把游戏机制和内容更有机地结合起来，形式须有意义。
Step 5:
布置好你世界中的每一样元素。每一件虚拟世界中的事物都应该有意义。别浪费这个机会，让游戏在快速旅行或者存档之类的交互点也可以传达出一定意义。例如，Quadrilateral Cowboy（四边形牛仔）中玩家可以与“隐匿点”房间中的物品交互，其将任务选择、保存等其他功能都巧妙地结合了起来。

时刻记住，要不停重复能传达出你核心命题的元素，符号和母题。
以上基本就算是“嵌入式”叙事的步骤了。不过我不得不指出，使用物体的象征性以传达概念这一手法拥有极为悠久的历史了，最早可以追溯到洞穴壁画。这是艺术家一直所做的。再次强调，请去回溯艺术史！试着批判性的审视，过去的艺术家们弄清传达和布置元素的发展过程。阅读Scott McCloud（斯科特·麦克劳德）的这本Making Comics（制作漫画）是一个不错的开始，尤其是书中Writing with Pictures, Stories for Humans, World Building这三章。
Step 5a:
关联。当事物相邻在一起，人们就会认为其具备可解释性。小到布置在一起的物体和图像，大到场景与场景之间也可以存在某种递进之类的关系，并且由于电子游戏蕴含交互性和机制，从玩家自身行为到与道具或演员的交互动作都能产生意义。
考虑一下苏联蒙太奇学派代表人物Pudovkin（ 普多夫金 ）为电影定义的剪辑原则：对比、平行、象征、交叉、主题——这同样关乎情感激发。

Step 5b:
象征。
结构、行动和内容如何一同运作来传达故事的主题呢？
Step 6:
激发。一旦你将故事的戏剧性规划进不同时空的场景中，就得思考如何以叙事激发情感。你想要在玩家身上营造何种情感？如何使每个场景都能达成这个目标？节奏如何处理？安排什么样的声音、交互和特效以强化情感渲染？ 
更好的是，你能激发玩家联系起大脑中已有的文化知识背景吗？是恐怖游戏吗？如果是，引入其他恐怖媒介的参考——大多数恐怖游戏以阴森神秘的鬼屋作为背景做到了这点，这能使玩家直接想象和代入大量自己已经体验过的恐怖游戏或电影。借鉴名著、童话或神话故事也是一种可以省力的方式——不需要过多额外内容，在玩家的脑中已经有足量的文化内容等待你唤醒。

不过，请小心使用此方法，如果你的玩家对这些文化隐喻不熟悉，那将很可能无法体验到游戏中的要点。
Step 7:
尽量减少过长动画、配音和文字说明的使用。如果你不得不使玩家进入到旁观者模式，最好准备一个充足的理由。有时候，这对于The Sexy Brutale（ 迷人的残酷 ）或者The Invisible Hours（看不见的时间）这样的游戏非常有效，但大多数时候，得像躲瘟疫一样避开它们。请逆向思维，返回步骤3b并想象如何在剧情中布置这些元素，使玩家参与其中，真正让过场动画、配音和文本去支持你的故事，而不是反过来使故事承载这些形式。

翻译自Game Developer-Stories in Space，By Elizabeth Goins,October 7, 2019
原文链接：https://www.gamedeveloper.com/design/stories-in-space